Raimundo Gomes Blog . em Qualquer Lugar

2012-02-09T21:25:00.001Z

Quando caminhares, em cada passo, pensa na pedra que não voltas a pisar.

Por minha conta ANA MOURA - Fado Património imaterial da humanidade

2011-11-27T13:46:00.000Z

David Lynch ....

2011-11-21T22:57:00.000Z

TRISHA BROWN "It's a Draw: Exhibition at Sikkema Jenkins & Co."

2011-11-18T09:31:00.001Z

"It's a Draw: Exhibition at Sikkema Jenkins & Co.

December 9, 2011 – January 25, 2012 Opening Reception: Friday December 9th 6-8PM

For her second solo exhibition at Sikkema Jenkins & Co., the gallery will present a selection of large-scale drawings from Trisha's It’s a Draw dance/drawing series.It’s a Draw, performed between 2002 and 2008, collapses the division between a dance performance and a work on paper by literally drawing through dance, tracing Trisha's movements with charcoal or pastel stuck between her hands and feet. Playing with the language of Abstract Expressionism, theIt’s a Draw series uses the concepts of action painting and all-over-ness literally as Trisha performs on the paper. Rather than static marks, the lines made from her movements capture that same sense of continuous motion as her dance performances. Suggesting Trisha's ghostly presence, the drawings compel the viewer to attempt to reconstruct her dance."

TRISHA BROWN COMPANY

Sikkema Jenkins & Co.

Keith Jarrett - Rio

2011-11-08T15:05:00.001Z

2011-06-26T13:49:00.002+01:00

"Não nos lembramos de dias, recordamos momentos. A riqueza da vida está nas memórias que esquecemos."

Cesare Pavese

3 projects AN.NA arquitectura nómada . nomadic architecture

2011-06-05T23:23:00.003+01:00

"transitivo e confessável" Pedro Mexia

2011-05-08T10:33:00.002+01:00

"Menos por Menos" reúne cem poemas escolhidos por Pedro Mexia a partir dos seis livros que editou até hoje. Retrato do escritor enquanto velho ("Não me lembro de ser novo") numa entrevista em que dá à escrita o que é da escrita e à vida o que é da vida

Entrevista a Pedro Mexia "transitivo e confessável" por Anabela Mota Ribeiro in Ípslon

"Pedro Mexia já não é aquele que adopta o verso de Camões "Foi-me tão cedo a luz do dia escura" como primeira linha de um auto-retrato. O poema vai para 20 anos. Entretanto acabou o curso de Direito (alguém o imagina num escritório?), apresentou nos blogues a personagem Pedro Mexia (o público não compreende porque razão é auto-depreciativo), passou a escrever crónicas e crítica literária nos jornais. Às vezes, também confissões sobre o medo e a angústia. Agora, edita em "Menos por Menos" cem poemas escolhidos dos seis livros de poesia que lançou até ao momento. O primeiro é de 1999, o último de 2007. Ele acha que ninguém os leu.

Quando é que começou a envelhecer?

Não me lembro de ser novo. Não tenho nenhuma memória de me sentir na força da vida, ou no vigor da idade, ou nos anos dourados. Mesmo quando era adolescente. Nesse sentido, sempre fui bastante velho. Já fui mais velho do que sou hoje. Sobretudo porque não tinha sentido de humor. Ou, pelo menos, hoje acho que não tinha sentido de humor. Isso ajudava a que fosse mais pesada a minha maneira de viver as coisas. Ter ganho ironia e humor atenuou isso.

A ironia cria uma certa distância, uma membrana.

Sim. Isso não aconteceu por uma razão estritamente voluntária. Tem a ver com os autores que leio, os de língua inglesa, e os ingleses em particular, nos quais a auto-ironia - um elemento não-óbvio na cultura portuguesa - está muito presente. Senti isso como muito natural para mim, para o meu discurso. Coincide com o momento em que comecei a escrever crónicas e o blogue, 2002. Essa dimensão irónica é sucessivamente referida e colada a mim, e bem. Eu era seriíssimo no pior sentido da palavra quando tinha 20 anos.

Levava-se muito a sério?

Não era tanto levar-me muito a sério. Era levar as coisas muito a sério. Era tudo muito pesado.

Há em alguns poemas um fundo nostálgico. Em especial quando faz uma dissecação dos retratos de família, de memórias. Identifica-se e incorpora-se nesses retratos, como se fosse também aqueles que evoca. Existiu um tempo em que se sentiu o menino desta cadeia familiar?

Há um livro que acho importante no percurso destes seis livros; hesito em dizer se é o melhor ou não, nem me cabe a mim dizê-lo. Chama-se "Em Memória" (2000). Concentra os poemas sobre a família e sobre a memória, enquanto mecanismo, identidade. Foram escritos depois da morte da minha avó, em 1993. São, portanto, muito anteriores à publicação. Significou uma espécie de apocalipse familiar. Era na casa dos meus avós - o meu avô já tinha morrido - que a família se reunia no Natal, na Páscoa, essas coisas. A morte da minha avó acabou por desencadear uma reflexão sobre a família e o deslaçamento. Eu estou sempre no retrato. Embora não tenha muitas memórias de infância (aliás, tenho muito má memória), tive uma infância muito feliz e um começo de adolescência bastante feliz. Esses anos familiares, vejo-os com nostalgia. A perda iminente dessa correia, desse legado foi traumática. Alguns poemas são até violentos. Depois não aconteceu exactamente assim. As relações mudam de natureza, as pessoas encontram formas de relacionamento diferentes.

Esse tempo da infância e do começo da adolescência parece ser anterior à cicatriz. Nesse tempo era novo.

Era criança. Eu fui criança. Não tenho é noção de ter sido jovem. Saltei de criança para velho muito rapidamente. Não velho. Mas mais velho do que sou. Nesses anos, as minhas memórias são boas e não creio que sentisse um desfasamento [em relação à minha idade]. Continuo a ser uma pessoa introvertida, pouco social, etc. Já era na altura. Claro que não formulava as coisas nestes termos, mas apesar de tudo estava mais integrado.

Não havia nem medo nem angústia, que são palavras recorrentes do seu discurso. E palavras essenciais numa das suas autoras de eleição, Agustina. Não por acaso organizou e prefaciou os ensaios de "Contemplação Carinhosa da Angústia". Um dos aforismos mais famosos de Agustina: "Nasci adulta, morrerei criança". Parece fazer o movimento contrário...

Que é o movimento natural da espécie. Não é um movimento unívoco. Em três ou quatro momentos sinto que me tornei mais velho ou mais novo do que era antes. O livro não tem nenhum poema posterior a 2007. Há um hiato sobre o qual não escrevi. Isto não interessa nada ao leitor. Interessa-me a mim, enquanto organização, até mental, da minha vida através dos poemas. O livro acompanha este percurso. Não de uma forma cronológica. Progride por avanços e recuos.

No poema Avó Leonor, há versos sobre ela: "... sabendo tudo, sofrendo tudo, como se fosse um alimento. (...)... Essa mistura de uma aceitação cristã, de uma nobreza que não mostra o que vai na alma". E isto: "um coração atento e em tumulto". Podiam ser sobre si?

Não sei bem. Haverá similitudes. A minha avó é retratada com fidelidade como uma pessoa muito reservada, fechada. Eu sou muito reservado e fechado pessoalmente, mas no que escrevo sou muito confessional.

Mas essa não é a personagem Pedro Mexia, que criou, e que lhe permite relacionar-se com muitos?

As regras que valem para as relações sociais não valem necessariamente para a escrita daquilo que presumo ser literatura. E assim como dificilmente teria conversas íntimas com alguém que não fosse do meu círculo de amigos mais próximo, na literatura, naquilo a que insisto em chamar literatura - boa ou má -, é o contrário. Não escrever de forma intimista seria batota em relação ao que me interessa na escrita. Interessa-me falar do medo e da angústia. Não só, mas para pegar nessas duas palavras. O único cuidado que é preciso é eliminar tudo aquilo que possa ser informativo e que constitua bisbilhotice. Por respeito pelas pessoas sobre as quais se escreve. Mesmo as coisas obscenamente pessoais que escrevi, ninguém, ao ler aquilo, saberá sobre quem são. Não há nenhuma razão para que as regras [a observar na vida social e na escrita] sejam as mesmas. Daí tanta gente ficar surpreendida, perplexa, quando encontra um escritor que é muito diferente daquilo que ele escreveu. Isso é, para mim, uma ideia banal.

Mas há uma personagem Pedro Mexia.

Se não criarmos algo que se pareça com uma personagem quando somos figuras públicas, quando escrevemos no espaço público, somos devorados. Não podemos ser 100 por cento nós mesmos. Há um fenómeno de distanciação. É verdade que nos emails que recebo, as pessoas (amigos e desconhecidos) sentem-se incomodadas com a possibilidade de aquilo poder não ser uma personagem. Por exemplo, incomoda muito que escreva recorrentemente sobre o tema do fracasso. Também para essas pessoas, é mais confortável dizer que é ficção, que é um boneco. Eu não me sinto obrigado a dizer o que é ficção e o que não é.

É uma das regras da literatura.

É. Outra coisa que incomodava muito as pessoas (agora nem tanto, mas quando escrevia crónicas mais pessoais) era o tom auto-depreciativo. É um género de que gosto muito.

Há imensas coisas que diz de si próprio no livro, ou que julgamos que são de si, que não são propriamente abonatórias. "Destroço". Fala sobre o seu corpo num poema que tem por título "Ferro-Velho". Num dos primeiros poemas fala de um tronco decepado; a seguir não sabemos se o tronco vai ser usado como jangada ou caixão. Nesta fase, há muitos poemas com referência a árvores.

Nos poemas familiares, as árvores representam o campo. Mesmo na experiência urbana, a mim, que não sou um amante da natureza, as árvores tendem a chamar a atenção. Tenho que ir ler o dicionário de símbolos quando chegar a casa. Nesse poema, não pensei nisso. O poema nasceu da experiência concreta de ver uma árvore a ser transplantada para o contexto urbano. Claro que pode ter todas as leituras alegóricas, mas não diria que se trata do corpo.

Do seu corpo. De um "imenso totem decepado", como está em "Sinal".

Admito a leitura, mas nunca pensei nisso dessa maneira. Como em todos os poemas: a distância entre a intenção que se teve ao escrevê-lo e a leitura possível é enorme.

Isto a propósito das coisas auto-depreciativas que diz de si nos poemas.

Nos poemas também? Mais nas crónicas e nos blogues.

Nos poemas aparece uma auto-contemplação desesperançada, rasgada. Menos irónica e mais sofrida.

Sim. Por razões que não sei exactamente explicar, e que admito que tenham a ver com uma certa (a palavra é má...) sacralização da poesia, refreio-me mais no uso da ironia. Embora exista uma espécie de ironia, muito contida, nalguns poemas. Alguns poemas, pela situação que descrevem ou encenam, são mais densos, mais trágicos. No livro sobre Lisboa ("Eliot e Outras Observações", 2003) há mais anotações irónicas sobre a cidade e os comportamentos.

Há dois poemas terríveis, sem sombra de ironia, no livro de 2007, "Senhor Fantasma. O Auto-retrato com Versos de Camões" e "A Esperança entre as Urtigas". O título do segundo já diz quase tudo.

São poemas do começo dos anos 90, recuperados no livro de 2007. O excesso de "pathos" cria um efeito contrário ao que se pretende, poeticamente não é interessante. Mas nalguns momentos não há como fugir-lhe. Não há ironia nenhuma no livro "Avalanche" (2001), o dos poemas de amor. São poemas mais ou menos escritos em directo. Não tinham aquela coisa que o Wordsworth recomendava: as emoções recordadas na tranquilidade. Talvez seja a maneira ideal de escrever poesia. O investimento biográfico estraga os poemas. Tenho a noção de que há poemas que considero muito importantes mas que não são interessantes, em termos de objecto verbal. Quando se escreve sobre acontecimentos - o Drummond de Andrade recomendava que não se escrevesse sobre acontecimentos -, a distância protege, do ponto de vista literário. Os poemas do "Avalanche" são o contrário do "Em Memória". São escritos no momento.

Ainda o incómodo que os leitores sentem quando faz comentários auto-depreciativos, ou escreve sobre o fracasso...

Mas esse incómodo é em relação à prosa. A poesia ninguém leu.

A audiência do Pedro Mexia-cronista fica de fora da poesia?

Completamente. Não é por ser eu. Muito pouca gente lê poesia. Há muita gente que segue o que escrevo e que sabe vagamente que escrevo poesia. Esta selecção é publicada, em parte, porque dos seis livros que a compõem quatro são praticamente impossíveis de encontrar. Mas tenho a noção de que, de tudo o que fiz, isto é o mais obscuro.

Fala do "amor intransitivo e inconfessável". Parece uma condição dos seus amores.

É uma expressão oxímora. Os poemas do "Avalanche" são bastante transitivos e confessáveis! [riso]

É um verso do poema "Bad Songs".

É sobre as paixonetas do liceu, que não são nada, não têm sequer espessura. Puras fantasias. Intransitivos e inconfessáveis, sim. Ao contrário dos poemas da família, que incluem um grande elenco, e dos da cidade, que incluem desconhecidos, nos poemas do "Avalanche" só existem duas pessoas. Uma coisa reincidente, sempre que falo da temática amorosa, é que é uma temática totalmente não-social. Não existe o mundo. É bastante transitivo, mesmo que seja, como acontece na maioria desses casos, infeliz.

Existe uma relação. O que nem sempre acontece nos poemas de outros livros.

Nos poemas sobre Lisboa, é inquietante o facto de haver tão poucas relações. As pessoas relacionam-se por razões práticas, utilitárias. É uma visão da vida urbana desolada.

Nesses poemas, existem você, os intermináveis domingos à tarde e os terraços vazios.

Exactamente. No "Avalanche" uso o "tu", o poema é dirigido a alguém. São os poemas mais relacionais numa poesia que não é muito relacional.

Um par amoroso que convoca: Paolo e Francesca. Amantes adúlteros da "Divina Comédia". Porquê este par?

Tem a ver com uma ideia de retribuição metafísica a que eles são sujeitos. Como têm um amor tempestuoso em vida, no outro mundo têm um castigo e uma recompensa misturados. Por um lado estão juntos, abraçados, mas no meio de um vórtice. Estão num permanente turbilhão. A ideia de que há um castigo e uma recompensa, juntos, no amor, interessou-me quando li a "Divina Comédia".

Linda visão que tem do amor. (E isto é uma provocação...)

Já lá vou. Tendemos a arrumar muito bem o castigo e a recompensa. O amor, tenho mais dificuldade em arrumá-lo numa dessas categorias. A minha experiência do amor é a de que é castigo e recompensa ao mesmo tempo. A minha visão do amor é como a de quase tudo: por mais que conceptualizemos, nasce da nossa experiência. Aquele verso do Camões: "Segundo o amor tiverdes, tereis o entendimento dos meus versos". Como nunca tive uma visão lúdica do amor - tenho uma visão não necessariamente trágica, mas muito séria -, não consigo encará-lo de um modo mais leve.

Agora parece Kierkegaard a falar de Regina Olsen.

Muito obrigado!, há muito tempo que não tinha um elogio desses. O Kierkegaard é um dos autores que mais leio, de que mais gosto. A maneira terrível como fala do amor... Uma categoria que escapa ao mundano, ao trivial - sempre me reconheci nisso. Não acho que seja um tema social. Por isso há uma distância muito grande entre todos os temas da vida em sociedade e o amor (que são duas pessoas abraçadas numa espiral, na eternidade).

É mesmo verdade que escreveu num blogue que uma mulher que gostasse de si não era digna de ser amada?

É possível, eu já escrevi coisas bastante palermas. Essa frase, que não sei a que contexto pertence, tem um carácter lúdico. Claramente não me estou a referir ao amor. Admito que apareça a tal ideia da personagem. Há muitas coisas que escrevo que são frases de efeito. Essa é uma frase para chamar a atenção. Não tem a ver com isto de que estamos a falar.

Outro par da "Divina Comédia", Dante e Beatriz. Inspira-o?

Sim, mas não foi desses que falei. Sempre me pareceu um par amoroso, ainda que no contexto bíblico não seja um par amoroso, a mulher de Ló, que se transforma em sal, olhando para trás. É verdade que tendo a transformar todos os pares, homem e mulher, em pares amorosos.

Obsessão. É um "flor de obsessão", que era como Nelson Rodrigues se chamava.

Outra grande referência para mim. Com todas as distâncias tropicais. Há uma presença muito maior da sexualidade nas coisas que ele escreve. Eu quase só falo da sexualidade em registo irónico.

Usa num poema a expressão "foda kitsch". Muito inesperada.

É verdade. Não é um dos meus temas, na poesia. Na prosa é, enquanto observador. É um tema divertido porque é o grande impulso por trás daquilo que as pessoas fazem. Sou um freudiano de estrita observância.

Num dos poemas usa uma expressão de Dante citada por Baudelaire: "vita nuova". Já antes, o nome de uma das suas crónicas remetia para o "spleen" de Baudelaire. Surpreende quando sabemos que é um autor de filiação anglo-saxónica.

O meu universo estilístico é muito anglo-saxónico. Mas o Baudelaire é uma óbvia referência para quem quer escrever sobre a colmeia da cidade e a vida contemporânea. Tem essa personagem do "flâneur" - a pessoa que passa e que observa. Mas o que escrevo, do ponto de vista formal, não tem nada a ver com a poesia do Baudelaire.

Outro autor que aparece e que é um dos seus preferidos: Tchékhov. Esse poema chama-se, com ironia, "Futuro Radioso".

A imagem central da peça "O Cerejal" é a imagem final, do cerejal a ser abatido.

Outra árvore a ser cortada.

Sim. Na peça significa o fim de uma época, de uma certa ordem social. Nesse poema significa o fim de uma família. Cortar aquilo que lá esteve desde sempre. Num certo sentido, quase todos os poemas são sobre uma coisa que acabou. Há muito poucos poemas sobre coisas que estão a começar. Essencialmente, o que faço são elegias. Nem todos os poemas são episódios autobiográficos, embora sejam todos biográficos. Como não tenho imaginação, é uma transposição de coisas que vi, ouvi, conheci. Tenho dificuldade em criar do nada. Por isso é que não escrevo ficção.

Como é que concilia essa desesperança, essa ausência de futuro radioso, com o seu catolicismo?

É a pergunta que mais me fazem. São horizontes diferentes. Não sou niilista, não acho que a vida não tenha sentido, que tudo seja arbitrário. Acredito num sentido da existência que o cristianismo dá. Mas o horizonte do cristianismo ultrapassa o limite da nossa existência física, tal como a conhecemos. Projecta-nos para uma realidade sobre a qual não temos meio de falar. Mesmo quem acredita na eternidade não sabe o que é isso. Escapa à capacidade de verbalizar. O catolicismo existe nos poemas como educação, como visão do mundo. Os poemas têm a ver com o para cá da morte, e não com o para lá da morte. Não que a metafísica não me interesse, mas não saberia escrever sobre isso. É intransitivo e inconfessável. Não é incompatível porque a minha desesperança tem a ver com o horizonte da nossa vida.

Um poema tem por título "Vencido do Catolicismo". Mas o mais forte vem a seguir: "sem plural". É um modo de falar da sua solidão? E contraria outra das premissas do catolicismo: o de ser em rebanho.

É verdade. Mas tem um contexto específico, um poema do Ruy Belo que fala da desilusão de uma geração em relação ao catolicismo. Quis falar de uma relação meramente individual com o catolicismo. Não poderia usar esse plural que o Ruy Belo usa. Pertenço a uma geração para quem o catolicismo é um traço arcaico. Em tudo, e também na religião, as coisas fragmentaram-se. Além do mais, sou um individualista.

É um solitário, além de individualista.

Não sei se é a palavra. Voltemos ao Kierkegaard: a religião é uma experiência totalmente subjectiva. Envolve uma relação directa entre o sujeito e aquilo em que ele acredita. Valorizo a relação directa, a vida em comunidade vem mais tarde.

Nos poemas, no que escreve, os seus pais, que são pessoas centrais na sua vida, quase não aparecem. Alguma coisa do que vem dizendo nesta entrevista será uma surpresa para eles?

Não creio. O meu universo está muito circunscrito. Os temas que vêm à baila são os mesmos, há muito tempo. A não ser que houvesse uma inflexão grande do que digo ou do que me interessa... Controlo bastante aquilo que digo. Não dou entrevistas sem trazer o superego. Mesmo sem superego, um conservador não tem coisas bombásticas desde a última vez [risos].

Faz um "Auto-retrato com Versos de Camões". Muito escuro, desesperançado.

São quatro versos de Camões, de poemas diferentes. É um retrato fiel ao momento em que foi tirado (início dos anos 90). Estou muito mais bem disposto! A partir do momento em que está escrito, deixa de estar sujeito à nossa confirmação a cada momento. Todos nós já escrevemos coisas que não subscrevemos. Se escreveria este poema hoje? Não. Mas gosto muito do poema. É o poema de que gosto mais - nenhum dos versos é meu.

Está a fazer género.

Não, é literal.

Tem uma escrita ecléctica. Tanto escreve sobre o Morrissey como sobre o George W. Bush.

Nos poemas o universo é muito mais delimitado. Se pensar nas coisas que são fundamentais para mim, estão todas neste livro.

Por ser crítico é mais difícil editar poesia?

Estou demasiado perto daquilo que escrevo para ter a distância que é necessária para a crítica. Um crítico escreve sobre um texto e não sobre um autor - o autor nunca percebe isto. Exercer a faculdade crítica em causa própria é impossível. Daí também haver tantos poemas maus. Espero que não nestes cem escolhidos. Faz diferença quando, ao fim de muitos anos a ler e a escrever sobre poesia, tenho uma maior percepção do que é um mau poema. Ter um discurso crítico incorporado ajuda. "Estas duas imagens não funcionam". "Estas palavras são de diferentes áreas vocabulares". Coisas que vêm com a prática. Uma das frases que mais gostei que me tivessem dito, numa sessão literária: "Gosto muito do que você escreve, mas não me interessa nada a sua vida". A minha esperança é que isso seja o sentimento da maior parte das pessoas. A minha vida interessa-me muito a mim. Percebo que, por um lado voyeurista, interessa um bocadinho a algumas pessoas. Se for como eu gostava que fosse a literatura, a vida que está por trás não é radicalmente diferente das outras. Toda a gente tem família, toda a gente se apaixonou, toda a gente tem um percurso."

2011-05-07T13:03:00.001+01:00

"O cinema é o espelho da vida, não temos outro" Manuel de Oliveira

2011-05-05T23:34:00.002+01:00

Na estreia de "O Estranho Caso de Angélica", uma conversa com o cineasta sobre as paixões por trás dos seus filmes

Após um extenso percurso internacional - Cannes, Toronto, Nova Iorque, São Paulo ou Viena -, com especial atenção dos EUA, cuja imprensa colocou o filme nas listas dos melhores de 2010, "O Estranho Caso de Angélica" chega às salas portuguesas. O caso angelical de Manoel de Oliveira.

"O Estranho Caso de Angélica" é um filme cujo projecto remonta aos anos 50, inspirado num caso pessoal.

Sim, uma senhora na família da minha mulher adoeceu com o nascimento de um filho. Fomos visitá-la, e a sua irmã mais velha, muito religiosa, disse-me: "A mãe gostava muito que fizesse uma fotografia." Chocou-me muito, pois fazia muitas fotografias a vivos mas não a mortos, era desagradável fotografar a morte. Entrei em casa e ela estava no meio de uma sala escura, debaixo de um candeeiro e rodeada de uns senhores, deitada com o vestido de noiva numa "chaise longue" azul clara. Parecia sorrir, não parecia morta. O sorriso vem à superfície depois da morte por se ver livre do sofrimento de uma doença.

Peguei na máquina e apontei, uma Leica que, naquele tempo, duplicava a fotografia. Ao focar, fiz a experiência de ter uma parte do corpo a sair de outra. Assim, estava morta e o espírito soltava-se, e foi esta ideia que, mais tarde, me fez fazer o filme. Passava-se depois de 1946, quando os judeus fugiam para Portugal para apanhar o avião para a América. A história tinha também, portanto, um judeu que tinha fugido, intelectual e fotógrafo. E esse judeu é convidado a ir fazer a fotografia.

Há um trabalho de actualização, o contexto actual, o da crise. Mas há pormenores desse outro tempo, a questão judaica.

Em toda a fotografia e arte pictural é preciso que os artistas sejam cultos, as fotografias e os quadros representam-se a eles próprios, mas não falam nem se explicam. O mesmo pode acontecer com o cinema: é preciso um certo estado de coisas que faça compreender. Tinha uma versão onde colocava a questão: porque é que o judeu é assim perseguido? Hoje já não valia a pena, basta a palavra "judeu" para assumir um significado. Na altura, era Hitler quem os perseguia, mas hoje também são perseguidos quando se diz que é necessário destruir Israel. Daí a actualização, pois o que se passava numa determinada circunstância passa-se hoje noutra. Bastava o nome "Isaac" para dar o seu tom.

Por outro lado, era difícil conservar o filme à época. Tinha facilidade em filmar na mesma casa, mas quando antes havia uma só ponte da vista sobre o rio, hoje há três. A fisionomia da cidade mudou. Retornar à época passada seria horrível. De resto, é tudo uma situação enigmática, nada é verdadeiramente explicado. Toda a arte se baseia no "supõe-se", no "crê-se que".

Neste filme diz-se: "apenas muda a circunstância do homem." Mas várias outras coisas mantêm-se: a paixão que move os sentimentos, a morte que termina com os impulsos. Essa inevitabilidade é algo que percorre as suas obras.

Nos filmes, como em qualquer obra de arte, há sempre uma grande parte do subconsciente do artista do qual ele não se dá conta. Por isso, as obras enriquecem com o tempo, a crítica vai descobrindo partes mais ignoradas e as obras ficam mais ricas do que quando saem. Na verdade, o homem não mudou, apenas aquilo que fez: o progresso. A natureza do homem é a mesma: a inveja, a vingança, as paixões ou o amor são manifestações da natureza do homem que não mudaram nada. Há pessoas que, às vezes, mudam de partido. Eu pergunto: também mudam de natureza? Ela é a mesma, e é nela que está todo o bem e o mal do homem.

Nas suas obras, a natureza intervém nos momentos decisivos. Neste filme, Isaac parece mover-se pela paixão, para além da racionalidade.

Espinoza disse: "Supomo-nos livres porque ignoramos as forças obscuras que nos comandam." Somos movidos por impulsos que ignoramos da natureza: o ódio, o amor, a paixão, a bondade. Pode-se quase perguntar se somos dependentes porque ninguém nasceu por vontade própria. Seremos verdadeiramente responsáveis pelos nossos actos? Temos a justiça que nos torna responsáveis e a evolução que o homem tem engendrado, mas não somos independentes. Somos dependentes das circunstâncias, e por isso cito Ortega y Gasset no filme. Tornamo-nos responsáveis perante a lei e pela justiça, mas na verdade somos um joguete do destino.

A paixão de Isaac revela-se pela lente do fotógrafo, quando ele tenta captar o indecifrável - a morte -, algo que tem também a ver com a função do cinema.

Porque o cinema tem tudo a ver com a vida, tal como a arte. José Régio, grande poeta português, dizia que a originalidade de uma obra de arte está na personalidade do artista que a faz. Na Renascença, os pintores pintavam todos o mesmo: as Madonnas, o Menino Jesus e Nosso Senhor. Mas eram todos diferentes.

Quando Isaac chega à cidade e vê o trabalho dos homens na terra, parece dividido entre essa ideia de corpo e o desejo pelo absoluto de Angélica. Em certas alturas, está no quarto a pensar no seu espírito mas ouvimos os homens a trabalhar.

Será um contraste entre a paixão e a libertação em que me pergunto se Isaac será, ou não, um apaixonado. Ou seja, se haverá um espírito que o liberte do pesadelo que são os cavadores e que é a nossa vida em determinadas circunstâncias. Em "Guerra e Paz" [Lev Tolstói], há um nobre que está moribundo, sabe que vai morrer e pergunta-se o que é a morte. A certa altura, olha para um canto do seu quarto onde se encontra uma porta. E aí vê: a morte é uma porta. É algo que me ficou sempre comigo, acho extraordinário.

É uma imagem de grande simplicidade.

Mas muito enigmática, porque toda a porta que dá para uma saída, dá para uma entrada. Na vida material onde vivemos sabemos para onde dá a porta quando morremos: o cemitério. Espiritualmente, a morte é absoluta ou pendente? No filme, o espírito leva Isaac e salva-o da situação angustiosa em que vivia. Mas é difícil explicar as coisas que não têm explicação. Sentem-se, percebem-se, nada mais.

A morte é um dos maiores mistérios. Mas neste filme filma-a, de facto, ou o seu espírito.

Sim, o espírito. Tem a ideia de que toda a matéria é imóvel? Toda ela se move na vida pela força do espírito, é este que a anima. E quando a pessoa morre, o espírito solta-se.
Quando estava no colégio de jesuítas, em Espanha, diziam-nos que, depois da morte, as almas vão para o purgatório. Cheguei à conclusão, na ingenuidade dos meus 16 anos, que o mundo era uma fábrica de almas. Hoje, penso numa imagem muito certa: os rios. Têm uma vida e passam por ela torturados, e quando desaguam no mar, perdem a sua personalidade pois juntam-se ao absoluto.

Depois, vem o calor, a evaporação e as chuvas que caem sobre a terra. A fonte renasce e o rio continua. Vamos sempre para o absoluto, e depois um retorno que gera continuidade. Para os budistas, quando morre uma pessoa, a alma sai e pode instalar-se num gato. Falei com o Dalai Lama e pus-lhe essa questão: se a pessoa morre e a alma passa de um humano para uma fera, não perde a evolução do raciocínio? Disse-me que não, pois o que conta é o esforço. Percebi que a vida, em si mesmo, é um esforço enorme em tudo que fazemos. Mas é ele que activa a imaginação.

Jean Renoir foi à Índia filmar "O Rio Sagrado" (1951).

O rio é uma crença da Índia. Tomam banho nele, purificam-se naquela água. Mas é também uma personalidade. O mar é que não, tem um nome mas recebe água de todos os lados, anula esse pensamento. Não se sabe que bocado vem de que rio, abstrai-se.

Isaac comporta-se como um sonâmbulo, vive focado no sonho de Angélica. Sobre "Francisca" (1981), João Bénard da Costa escreveu: "o comportamento fantomático e errático dos seus personagens é muito mais determinado por quem os visita durante a noite e o sono, de que pelos acontecimentos ocorridos à luz do dia. Nesse sentido, os personagens de Oliveira (...) são sonâmbulos, separados do mundo, embora continuando nele." E em relação à personagem de "Benilde ou a Virgem Mãe" (1975): "ela própria é sonâmbula (...) e todo o seu comportamento é determinado pelo que durante esses sonhos se possa ter passado e de que não guarda - acordada - qualquer memória."

Parece-me bem, explica "Angélica". Eu também preciso de explicações... Não vejo tudo e a vida está construída dessa forma. Vivemos num segredo que nos é vedado. Há várias crenças, e admiro muito a figura de Cristo, divina ou não, já não importa, mas que reconhece que a natureza humana é fraca. É ele que abre o campo da tolerância para a fraqueza do homem, que é capaz de fazer coisas terríveis. Essa convicção é interessante na figura de Cristo por ser extraordinária, não vejo que em parte nenhuma tenha sido ultrapassada.

A fraqueza do homem, neste filme, faz com que o que era amor, para Isaac, se torne também num vício.

Na Bíblia, há uma passagem onde se interroga Cristo: "alguém que casou três vezes, quando morrer e for para o céu, qual será a sua mulher?" E Cristo responde: "No céu, as coisas são diferentes." Mas caímos sempre na dúvida. No livro de São Paulo, que diz que o espírito é como o ar que se respira, lê-se: "se Cristo não ressuscitou, toda a nossa fé é vã." É uma palavra terrível.

Vendo como Isaac procura o absoluto, é isso que busca, quando diz que Angélica atenua ou elimina as suas angústias na terra.

Por isso, quando Angélica o leva, juntam-se. Já não é uma pessoa, é espírito. Está limpo da vingança, maldade e bondade. O cadáver fica e ele junta-se aos outros espíritos. Tanto desisti de fazer este filme que foi o produtor que me pediu para fazê-lo, porque partia do princípio que o cinema não filma sonhos nem pensamentos.

Mas provoca-os.

Sim, mas não os filma. O sonho, no mudo, não tinha nem som, nem palavra. Não há barulhos no sonho, logo o cinema mudo era bastante onírico. Quando ganhou a palavra e a cor, tornou-se mais realista.

Há uma homenagem a Georges Méliès neste filme.

Com certeza. Todo o cinema ficou inventado de entrada: Lumière deu o realismo, Méliès a fantasia e Max Linder o cómico. Está tudo lá, não há mais nada.

A sua essência não muda para além da evolução tecnológica.

Porque todos os efeitos especiais pertencem à técnica, não à arte. Para além disto, sugerimos o inacreditável. Onde podemos ir mais longe do que aquilo que somos? Li um realizador dizer que quando apresentava um filme novo, se ouvia que era o filme de um grande realizador, ficava triste. Mas se ouvia que era um grande filme, ficava contente. Isto é evidente: o realizador não deve mostrar-se. Mostra o inconcebível, mas não se mostra a ele próprio.

Sobre o seu espólio a dar à cidade do Porto ainda não se encontrou solução?

Está-se a estudar, mas é difícil e a crise dificulta mais. Gostava de deixar uma reportagem familiar. É para a memória, assim sempre fica.

Quanto à nossa memória, a vida da Cinemateca está a estrangular-se, não chegam autorizações para os seus serviços.

É um crime. Basta uma inundação ou um incêndio para desaparecer tudo. A nossa memória está nos livros, nas pinturas e nos filmes. Dizia Arturo Ripstein, um realizador mexicano, que os governos deviam ajudar os realizadores não por favor mas por obrigação, porque o cinema é o espelho da vida, não temos outro.

in IPSLON

“Les Corbeaux” CCVF - 11 Maio

2011-05-05T23:07:00.001+01:00

“Les Corbeaux” conjuga teatro e dança, mas também música e pintura.

Neste espectáculo, o coreógrafo Josef Nadj e o saxofonista Akosh Szelevényi prolongam e aprofundam a experiência realizada em “Entreacte” (2008), criação em que os dois artistas de origem sérvia estabeleceram uma relação estreita entre a coreografia e a música interpretada ao vivo, levando-as a um ponto de perfeito equilíbrio e tornando praticamente indiscernível o peso relativo de cada uma na génese do projecto. Como o título indicia, “Les Corbeaux” nasce da observação paciente e minuciosa dos corvos; especialmente, do instante fugaz em que essas aves agoirentas pousam, em que se opera a transição entre o voo e a marcha. No diálogo dança/música, um terceiro interlocutor intervém, reagindo livremente e fazendo falar a sua voz silenciosa: uma pintura negra, brilhante, fluida, que deixa rasto ou testemunha a passagem dos pássaros...

“Les Corbeaux” is theatre and dance, but also music and painting.

Choreographer Josef Nadj and sax player Akosh Szelevényi extend and deepen their experience in “Entreacte” (2008) with live music and dance, taking this experience to a perfect balance and making it difficult to perceive which one is more important in this project. “Les Corbeaux” is the result of a patient and thorough watch of crows, especially the fleeting moment of the transition of flying and starting to walk. During this dialogue between music and dance a new element comes in with its silent voice: a dark painting leaving a trail or witnessing the bird’s passing...

C de la B regressa ao CCVF - 27 Maio

2011-05-05T23:05:00.000+01:00

A companhia les ballets C de la B regressa ao CCVF para apresentar “Gardenia”, um espectáculo sobre a dignidade, que reúne um elenco invulgar.

Alain Platel e Frank Van Laecke, reconhecidos magos belgas que nunca tinham trabalhado juntos, foram desafiados por uma actriz e dramaturga transexual, Vanessa Van Durme, para homenagear esse delicado momento para qualquer bicho das tábuas: o tempo de se retirar. A convocatória reuniu outros seis veteranos do transformismo (alguns travestis, outros transexuais, o mais velho com 67 anos), um jovem bailarino e uma mulher que, pelo cerimonial, despem as roupas masculinas e assumem os seus papéis. Divas. Cantoras. Show-women. Montam o cenário, maquilham-se e posam para a fotografia. Van Durme é a ideóloga e mestre-de-cerimónias. Aznavour e Caetano passam por aqui. A vida descarnada, o humor de quem já nada tem a provar.

Belgian dance company les ballets C de la B returns to CCVF to perform Gardenia, a show about dignity, with an unusual cast.

Alain Platel and Frank Van Laecke, accepted the challenge of transsexual actress and playwright Vanessa Van Durme to pay a tribute to the most difficult moment of an artist’s career: the end. The performers are a group of transsexuals and transvestites that take centre stage. They are divas, singers, show-women setting a stage, putting make-up and posing for pictures. The voices and music of Aznavour and Caetano set the mood for a show where we witness life stripped of any kinds of masks with the humor of someone with nothing to prove.

CCVF

Carlos do Carmo & Bernardo Sassetti - 'Cantigas do Maio'

2010-11-25T18:36:00.000Z

O arquitecto dos prémios, Siza Vieira, recebeu mais um - Cultura - PUBLICO.PT

2010-11-11T21:09:00.000Z

O arquitecto dos prémios, Siza Vieira, recebeu mais um - Cultura - PUBLICO.PT

Yann Tiersen & Shannon Wright - Pale White

2010-11-03T23:12:00.000Z

Wolfgang Amadeus Mozart - Piano Concerto No. 21 - Andante

2010-11-02T19:38:00.000Z

Air á Danser

2010-11-01T23:29:00.000Z

Nuno Prata - O Homem Invisível ainda acha possível

2010-10-25T23:01:00.000+01:00

NUNO PRATA "Hoje Quem?"

2010-10-25T22:56:00.000+01:00

Mariza - Chuva

2010-10-24T18:43:00.000+01:00

Estória do Gato e da Lua (versão portuguesa)

2010-10-24T15:24:00.000+01:00

Não fecha a porta, tá? Tranquilo? (Don't close the door, okay?)

2010-10-22T22:18:00.000+01:00

Yael Naim - Lonely

2010-10-18T21:41:00.000+01:00

Aquele olhar! RG 18-10-2010

2010-10-18T00:14:00.001+01:00

O sol,

o calor faz-me suar.

A chuva,

nas pedras do chão,

e volto a lembrar.

Caem as folhas,

brotam as folhas,

e eu...

E eu,

sempre em qualquer lugar!

Descubro montanhas,

desejo montanhas,

subo montanhas,

e encontro o esperar.

Por fim,

a lua...

....aquele olhar.

Aquele olhar.

Aquele olhar!

SHITDISCO - "OK"

2010-10-04T03:29:00.000+01:00

"Uma história a dois" escrito por Tiago Bartolomeu Costa

2010-10-02T19:26:00.001+01:00

"Sofia Dias e Vítor Roriz são uma das mais importantes revelações dos últimos anos na dança portuguesa. Amanhã no Circular mostram "Unfolding", uma das melhores peças deste ano.

A história da dança contemporânea em Portugal não é pródiga em duplas. Uma eventual genealogia não seria representativa de uma corrente ou mesmo de uma intencionalidade que não partisse de afinidades estéticas e cumplicidades pessoais.

Sobretudo, se falarmos em duplas, são mais os exemplos de pares que assinam diferentes áreas de um mesmo espectáculo, do que aquelas que co-assinam uma obra. Falaríamos, claro, de Francisco Camacho e Carlota Lagido, ele a coreografá-la e ela, depois a assinar os figurinos das suas peças, e ainda de Sílvia Real e Sérgio Pelágio, ela a coreografar-se e ele a sublinhar a sua particular construção através da banda-sonora.

Depois teríamos que falar de peças, mais do que percursos. São os casos de "Nu Meio", de Filipa Francisco e Bruno Cochat, de "Dançar Cabo Verde", de Clara Andermatt e Paulo Ribeiro, de "Antonio Miguel" e "Antonio & Miguel", de Miguel Pereira e Antonio Tagliarini", de "Swingers", de André Murraças e Inês Jacques.

E, por fim, e de modo a explicar a singularidade, de vidas que se cruzam com o trabalho, como os casos de Ana Borralho e João Galante (em destaque neste trimestre com uma quase retrospectiva no Maria Matos), de Luís Guerra e Tânia Carvalho, que se coreografam mutuamente, e, no que agora importa focar, Sofia Dias e Vítor Roriz.

"Unfolding", a peça que apresentam este sábado, 2, no festival Circular, em Vila do Conde, é a sétima peça que co-assinam e teve a sua estreia em 2009 no âmbito do projecto internacional Looping, desenvolvido pelo festival Uzés Danse CDC (França), em parceria com o TanzWerkstaat Berlim (Alemanha) e o Espaço do Tempo (Portugal). Mas não teve ainda direito a uma apresentação regular em Portugal. E é pena, já que simboliza a solidificação de um percurso feito à margem de uma qualquer obediência estilística, liberto de pressões deterministas e, muito particular, consciente da possibilidade de transformação do significado do movimento quando exposto perante o quadro formal de uma apresentação.

Estados mentais

Sofia Dias e Vítor Roriz falam, entrecortando a palavra e terminando um as frases do outro, de "estados mentais": "Há uma estrutura que é fixa no nosso trabalho mas há também e sempre uma margem de improviso. Isso permite-nos reciclar estando a fazer. Acreditamos muito no efeito do real no momento da apresentação", começam por contar.

É um trabalho de detalhe, introspectivo, que vai relevando uma estrutura feita a partir da memória que o corpo traz para cada movimento, feito de frases coreográficas que são atentas aos percursos individuais, ela vinda do Conservatório Nacional e tendo prosseguido estudos em Nova Iorque, ele tendo-se licenciado em Educação Física e Desporto e continuado a formação no Fórum Dança, ambos com ampla experiência de trabalhos feitos com Wim Vandekeybus, Lília Mestre, Tânia Carvalho, Javier de Frutos, Jan Fabre ou Aldara Bizarro (e brevemente em cena no São Luiz na nova peça de Clara Andermatt e Marco Martins).

"Vamos fixando o processo à medida que o vamos repetindo. Não é tanto a nossa expectativa sobre o que deve ficar, embora façamos coisas muito claras, mas deixarmos que seja o trabalho a revelar-nos isso. Quando começamos a improvisar há um estado mental que aflora e, ao longo do trabalho, vamos tentando definir o que não cabe nesse estado", explicam.

"O material vai-nos informando da direcção do trabalho. As soluções de composição vêm do material de trabalho", acrescentam, falando de uma "composição em tempo real". Este modelo de trabalho, que tem como base uma forte cumplicidade que procuram preservar - "convidamos pessoas para verem o trabalho, mas às vezes isso leva-nos para outros lados que não são os do processo", dizem -, permite que as suas peças possam ser entendidas como paragens de um discurso. "Há algo que vai muito para lá da articulação de palavras. Escrevemos muito, falamos muito e, por isso, não é um estado de transe. A dada altura segues numa espiral em que já não és tu que dominas o material, mas há regras e nisso somos certinhos".

Ele trabalha mais de manhã e ela mais à noite: "Quando nos encontramos, à tarde, o trabalho surge desses ritmos. No fundo estamos sempre a falar da mesma coisa mas é a sensação de incompletude que nos faz questionar. É como se os trabalhos fossem tentativas de experimentação de um discurso que surge deste nosso encontro".

O que nos têm vindo a apresentar parece partir dessa inquietude que faz com que os seus corpos activem ideias que encontram num corpo em aberto uma forma de trabalho não definitiva. "Unfolding" explora uma energia particular, criada a partir do diálogo proposto pelos dois corpos, "sem que se tenha ido especificamente à procura dela". "Tem a ver com o facto de nós próprios passarmos por uma experiência quando fazemos a peça. Há formas de acção e interpretação que vão condicionando os processos e aquilo a que chegamos são coisas muito simples que encontram o seu espaço e a sua justificação". Dizem ainda que "há um esforço grande de pesquisa" que leva o corpo a perguntar o que traz como memória e o que entende como percurso. "Esta ideia de contenção obriga a uma depuração", reconhecem. E nessa depuração, ou através dessa pesquisa atenta a um percurso livre, o que estão a construir oferece paisagens que a criação contemporânea portuguesa há muito não encontrava."

Ípslon PÚBLICO

"Mil livros e poema desconhecido de Borges encontrados na Argentina "

2010-10-02T19:22:00.001+01:00

Um poema desconhecido do escritor argentino Jorge Luis Borges (1899/1986) e cerca de mil livros com anotações suas foram encontrados na Biblioteca Nacional da Argentina onde o escritor trabalhou, divulgou a agência AFP.

A colecção de cerca de mil livros tinha sido doada àquela biblioteca depois de o escritor ter abandonado a direcção da instituição, mas caiu no esquecimento porque não estava catalogada.

Em 2004, dois investigadores iniciaram um trabalho de revisão dos mais de 900 mil livros da Biblioteca Nacional Argentina e encontram estes livros anotados com comentários de Borges e também com esquemas de obras futuras.

Uma das principais descobertas é um poema inédito, manuscrito por Borges sobre um exemplar em alemão do teólogo Christian Walch e datado de 11 de Dezembro de 1923. Os especialistas reconheceram o traço fino e preciso característico do autor: “A esperança/como um corpo de menina...”, lê-se.

“Avisámos os pesquisadores de todo mundo, das universidades de Virginia e Pittsburgh nos Estados Unidos até Leipzig e Hamburgo na Alemanha”, contou à AFP, Laura Rosato, uma das investigadoras. “Alguns deles já nos anunciaram que virão [à Biblioteca] antes do fim do ano”, acrescentou, orgulhoso, Germán Álvarez, que também trabalha na Biblioteca Nacional Argentina, da qual Borges foi director durante 18 anos.

Rosato e Álvarez reuniram e publicaram as suas descobertas numa obra de 400 páginas intitulada “Borges, livros e leituras”, editada pela própria Biblioteca Nacional."

PÚBLICO

"Partida, largada, rebutoh" escrito por Tiago Bartolomeu Costa

2010-10-02T19:19:00.002+01:00

"Xavier Le Roy abre Mugatxoan, em Serralves. Product of Other Circumstances expõe-no em pleno processo de aprendizagem

Quantas vezes pode um coreógrafo começar uma carreira? Tantas quantas as ideias que tiver para fazer um espectáculo, dir-se-á. Mas, por vezes, as ideias que os artistas têm em conversas ocasionais podem virar-se contra eles. Foi mais ou menos isso que aconteceu quando o coreógrafo Xavier Le Roy, de 47 anos, leu o e-mail de Boris Charmatz, também coreógrafo, lembrando-o de uma conversa que tinham tido anos antes. Nela, Charmatz falava de uma tirada dita por Le Roy sobre o butô, o género de dança contemporânea oriental mais conhecido: "Para nos tornamos num intérprete de butô, bastam duas horas", tinha-lhe dito Le Roy. E este só conseguiu responder: "Não me lembro de o ter dito, mas assumo a responsabilidade. Se não o tiver dito, tiveste uma excelente ideia".

Estava lançado o mote para uma peça que deveria levar o coreógrafo a prolongar o seu modo de pensar a própria dança, onde há uma vontade de identificar o movimento sugerindo interpretações diversas que o ampliem e explorem esse potencial de abstracção. Chamou-lhe Xavier Makes Some Rebutoh, trabalhou-a nos tempos livres e mostrou-a a 24 de Novembro de 2009 no Museu da Dança, que Charmatz dirige em Rennes, no Noroeste de França.

O que é a dança?

Product of Other Circumstances, que abre hoje a programação do Mugatxoan (22h, Auditório de Serralves), um laboratório de pesquisa e reflexão coordenado por Serralves em colaboração com duas estruturas de produção espanholas, a Arteleku e a La Laboral, surge daí e do modo como esse desafio levou Xavier Le Roy a atirar-se, uma vez mais, à reavaliação da sua prática e, por consequência, do que é a própria dança.

A peça é "a mais recente tentativa de Xavier Le Roy para atravessar as fronteiras da dança e da coreografia", diz peremptoriamente Marten Spangberg, também ele performer mas sobretudo teórico (foi co-curador do projecto Capitals, que decorreu na Gulbenkian no início da década). Não será difícil perceber porquê. O que Xavier Le Roy se propunha fazer ia ao encontro de uma investigação que diz muito a uma geração de coreógrafos como Charmatz, Jerôme Bel, Eszter Salamon, Meg Stuart, Benoît Lachambre, La Ribot, Mathilde Monnier, Vera Mantero ou Lia Rodrigues, onde a investigação está na base da própria criação. O resultado não é aquilo que vemos, mas sim aquilo que vemos é um processo em permanente questionamento, mesmo se apresentado como um objecto finalizado.

Ao longo dos anos, o trabalho deste coreógrafo francês tem-se caracterizado por uma investigação e uma reflexão profundas sobre os fundamentos da própria criação coreográfica, a sua relação com a história, a consciência de que há um filtro chamado biografia que condiciona os discursos e, muito particular, uma necessidade de identificação de rituais pertencentes à dança expressos noutras disciplinas. Ou, se quisermos, a vontade de ver dança em outras disciplinas.

Processo em construção

Mas talvez seja preciso explicar ainda que esta ligação ao butô não surge por acaso no discurso de Charmatz. O ano passado, a Culturgest, em Lisboa, mostrou La Danseuse Malade, de Charmatz, com uma Jeanne Balibar a ler textos de Tatsumi Hijikata, o pai do butô, e um Charmatz a ser atacado por um cão. Nesta peça, o imponderável e o intencional cruzavam-se, naquilo que é uma perpetuação do discurso sobre a instabilidade da própria concepção coreográfica.

O butô, sendo um género com identidade própria dentro da grande família da dança praticada no Oriente, tem com a dança contemporânea europeia uma relação que vem de longe. Podemos atribuir a Kazuo Ohno, que desapareceu em Julho aos 103 anos, a possibilidade de aproximação de linguagens que levaram a uma libertação de um formalismo e normatividade, sem abandonar o rigor e a intencionalidade.

Podemos até recuar à última apresentação de Xavier Le Roy em Portugal, Sacre du Printemps, que esteve no Maria Matos há um ano, para perceber isso mesmo. Então, o coreógrafo apresentava uma peça onde recreava os movimentos do maestro Simon Rattle conduzindo a Filarmónica de Berlim numa interpretação daSagração da Primavera, de Stravinsky. Nela, víamos os movimentos do maestro como se fossem os de um bailarino, no que era também uma leitura dos movimentos propostos por Nijinsky em 1913.

Product of Other Circumstances vive dessa instabilidade. O título liga-se a uma outra peça de Le Roy, Product of Circumstances, criada em 1999, sendo uma ilustração sobre um processo de construção. O seu caractér narrativo e linear mostra o método de pesquisa e questionamento, evidenciando uma vontade de experimentar não apenas o movimento mas a própria reflexão sobre o movimento. Porque a enunciação está na base da coreografia, Xavier observa os movimentos, exemplifica-os ou questiona-os, manipulando por via da intenção as imagens que são sugeridas.

Num dos textos que acompanham o espectáculo, Spangberg diz que a aproximação ao butô, sendo amadora, não deixa de ser feita por quem é um profissional da coreografia. Mas, afastando-se da curiosidade e do anedótico, e mesmo que o humor seja uma ferramenta de trabalho de Le Roy, o espectáculo explora "a poética do corpo num quadro tal que potencia uma introspecção crítica, complexificando, através da sua experiência e conhecimento, a relação dos significados atribuídos pelo corpo e o contexto onde se inserem"."

Ípslon PUBLICO

REPERTORY EVENING - TRISHA BROWN

2010-09-29T20:26:00.002+01:00

Trisha Brown Dance Company - Opal Loop / Cloud Installation #72503 from Dance Umbrella on Vimeo.

Umbrella Festival 2010

Trisha Brown Company

Umeric 'Until Now' 2010

2010-09-23T15:24:00.000+01:00

“Na terra a olhar o céu” CCVF Guimarães 25 Setembro

2010-09-23T00:56:00.002+01:00

“Na terra a olhar o céu” é um espectáculo a solo de Teresa Prima e o primeiro de dois objectos coreográficos a serem criados no âmbito do projecto B.

"O Projecto B, em desenvolvimento desde Janeiro de 2009, é um projecto de pesquisa, experimentação, sensibilização e criação coreográfica cuja força motriz é a procura da beleza, “lugar em comum” entre os seus intervenientes. Propositadamente estendido no tempo, envolve ateliers, conversas e outras actividades que visam estabelecer uma relação de partilha, troca e enriquecimento mútuo. Interessando-se, pois, pela visão, planos e estratégias que cada um pode criar para que a procura B possa ter lugar, ele será, por fim, um álbum, uma colecção dos processos, experiências e vivências de todos aqueles que, permanente ou temporariamente, dele fizeram parte.

“On Earth Looking at the Sky” is a solo show by Teresa Prima and the first of two choreographies created for Projecto B.

Projecto B, created in January 2009, is a research, experimentation and choreographic creation project aiming at finding the beauty of things, a common desire shared by all the participants of the project. This long-term project is made of workshops, debates and other activities aiming at sharing and exchanging knowledge. Project B is about sharing the ideas, plans and strategies that each of its members has, creating an album, a collection of procedures and experiences of those who permanently or not participated in the project."

CCVF

Portão pequeno.

2010-09-21T15:41:00.000+01:00

Karpeton Studios' 3D Animation Reel 2010

2010-09-20T23:19:00.000+01:00

Pelo Norte

2010-09-18T21:18:00.002+01:00

Um Movimento que quer ser um Partido. Apesar de desconhecer a sua ideologia de fundo, é de louvar que alguém queira defender o Norte, as Regiões, a proximidade e assim o País. Lisboa sempre será o "nosso encanto", mas há quem se esqueça que há mais país para além das suas cadeiras no Rossio.

Raimundo Gomes

http://pelonorte.blogspot.com/

2010-09-18T19:52:00.001+01:00

http://vimeo.com/11707252

As Noites a Crescer | CCVF - Centro Cultural de Vila Flor

2010-09-18T05:58:00.000+01:00

As Noites a Crescer | CCVF - Centro Cultural de Vila Flor

2010_Demoreel.mov

2010-09-17T18:45:00.000+01:00

2010-09-17T15:11:00.003+01:00

"O gesto inspirado eleva os homens até à proximidade da divindade."

KERÉNYI, Károly, Estudos do Labirinto, Assírio & Alvim, edição de Pedro A. H. Paixão, Lisboa 2008, p.35.

The Green Transition

2010-09-16T21:49:00.000+01:00

PONTES PARA UM FUTURO MAIS POSITIVO — EXPOSIÇÃO

2010-09-16T03:52:00.002+01:00

pass(e)ar - passear em vez de passar

e se PASSAR pudesse SER MUITO MAIS?

e se uma ponte pudesse levar até nós a NATUREZA?

e se o homem voltasse a sentir o TEMPO?

Será uma ponte capaz de crescer como a organicidade de uma flor?

Poderão seus pés serem JARDINS?

e se um jardim VERMELHO provocasse em nós o OBSERVAR?

e se um jardim AMARELO fizesse-nos RESPIRAR?

e se um jardim AZUL permitisse-nos MEDITAR?

será uma ponte capaz de ser oposição à velocidade ilusória da sociedade do consumo?

Seremos nós capazes de recuperar o tempo real das coisas?

Falo sobre tempo!

Falo sobre sentir!

Falo sobre ser capaz de passear onde apenas precisamos passar!

trabalho de: Raimundo Gomes, José Oliveira e Henrique Chaló

Experimenta Design

PONTES PARA UM FUTURO MAIS POSITIVO
Exposição do Concurso Internacional de Ideias para Nova Ponte Ciclável em Lisboa

Mais de 50 projectos de arquitectura revelam propostas inovadoras e sustentáveis para uma ponte ciclável sobre a 2ª circular em Lisboa.
Em Julho de 2009, a Fundação Galp Energia em parceria com a EXD’09 desafiou arquitectos e engenheiros portugueses e estrangeiros a projectar um novo equipamento para a cidade. Possibilitando a travessia da 2ª circular em bicicleta, esta ponte constituiria um estímulo à mobilidade urbana sustentável bem como um legado para Lisboa e seus habitantes.

Uma iniciativa da Fundação Galp Energia, esta exposição apresenta parte significativa dos projectos submetidos a concurso, oriundos de 14 países, dos quais se encontram representados Bangladesh, Bélgica, Brasil, Espanha, Índia, Israel, Itália, Jordânia, Portugal, Reino Unido e Tunísia.

Inauguração 16 Setembro, 19h30

Palácio Quintela
17 de Setembro – 17 de Outubro
Terça a Domingo, 10h - 22h
Entrada Gratuita

Rua do Alecrim, 70 / 1200-018 Lisboa

What's New In Cinema 4D Version 12: Motors

2010-09-16T01:22:00.000+01:00

IS YOU ME

2010-09-16T00:20:00.002+01:00

O Centro Cultural Vila Flor comemora o seu 5º aniversário com um espectáculo que reúne dois dos maiores criadores do panorama mundial da dança contemporânea.

“Is You Me” é um dueto altamente criativo e a segunda colaboração entre o canadiano Benoît Lachambre e Louise Lecavalier – considerada um dos ícones da dança contemporânea e antiga estrela dos La la la Human Steps. Dois fabulosos intérpretes num palco completamente branco, no meio de coloridas e enérgicas séries de projecções vídeo de Laurent Goldring, com música de Hawn Rowe. Desenhos de linhas são feitos à volta e por cima dos corpos dos bailarinos. Os espaços são preenchidos com cores, imitando formas animais e objectos. “Is You Me” é uma colaboração única, que resulta num espectáculo surpreendente.

*No espectáculo que assinala o 5º aniversário do Centro Cultural Vila Flor lançamos-lhe um desafio: ao adquirir o bilhete pague o que quiser. Deixamos à sua consideração pagar o que achar justo.

Centro Cultural Vila Flor celebrates its 5th anniversary with a show with the best two choreographers of contemporary dance around the world.

“Is You Me” is a highly inventive duet and the second collaboration for Canadian Benoît Lachambre and Louise Lecavalier – she is considered one of the icons of contemporary dance and former star of La la la Human Steps. Two amazing performers on an all white stage, in the midst of a kinetic, colorful and visually riotous series of video projections by Laurent Goldring and music by Hawn Rowe. Lines are drawn around and across the dancer’s bodies. Spaces are filled with color and imitate human forms, animals and objects. “Is You Me” is a unique collaboration in a startling visual feast.

"Carne e píxeis sobre tela" Crítica Ípsilon por: Luísa Roubaud

2010-09-16T00:15:00.002+01:00

ípslon

Is You Me (Torres Novas)
Coreógrafo: Benoît Lachambre (criação conjunta), Louise Lecavalier (criação conjunta), Laurent Goldring (criação conjunta), Hahn Rowe (criação conjunta)
M/12. Festival Materiais Diversos.

Criação conjunta de Benoît Lachambre, Louise Lecavalier, Laurent Goldring e Hahn Rowe.

Alguma expectativa envolvia o reencontro (depois do solo "I" Is Memory, 2006) destes dois criadores-intérpretes canadianos de nomeada, com percursos na dança muito distintos. A indómita e carismática Louise Lecavalier (n. 1958), ícone da dança dos anos 80/90, é considerada uma das mais fulgurantes e trágicas bailarinas da nossa época. A sua energia acrobática deixaria famosos os barrel jumps (aparatosos tour en l"air na horizontal), imagem de marca da companhia La La La Human Steps, e combinava na perfeição com a atmosfera urbana do repertório daqueles anos; Benoît Lachambre (n. 1960; Forgeries, Love and Other Matters, de e com Meg Stuart, Culturgest, 2005), orientou-se para as release e somatic techniques, e a pesquisa interdisciplinar; a improvisação norteia o trabalho que desenvolve na estrutura Par B.L.eux, desde 1996. À dupla juntou-se o artista visual L. Goldring (n. 1957) e o compositor H. Rowe (n. 1961); Is You... resulta numa espécie de jam de improvisação-contacto multimédia. Um ciclorama branco ao fundo da cena era a tela vazia onde, a partir de um software de desenho, um projector construía o espaço cénico com linhas e formas geométricas animadas, e um registo monocromático cedia lugar a cores plenas. Música electrónica, sons do trânsito, vozes, canto de cigarras samplados compunham a paisagem sonora. Louise e Benoît, corpos sobre a tela digitalmente maquilhados, num dueto sem identidade nem género, encapuzadas sob indumentária casual, ora negra, ora colorida, eram personagens gráficas, dissolvidas numa geometria em movimento; irrompiam, ocasionalmente, como organismos vivos (por vezes répteis ou aves; outras quase humanos). Nos momentos mais curiosos, dançavam com as linhas de desenho, pareciam seguir ou produzir a sua dinâmica, subvertendo o pressuposto de que o corpo em dança reage sobretudo à música ou som. O exercício proposto não é, porém, sempre resolvido com clareza: entre a matéria orgânica dos corpos e a projecção gráfica quasi-animista, permanece uma zona de conflito. Uma tensão entre a abstracção e representação - interessante, mas nem sempre produtiva - interfere com a pura fruição perceptiva mas também com o chamamento de outras associações mentais; e suscita, amiúde, a tomada de consciência acerca dos momentos de confluência - e de deriva - decorrentes de uma improvisação multimédia a quatro mãos. A exploração da dimensão "não-utilitária" da tecnologia digital na performance tem, nas últimas décadas, criado novos universos plásticos, poéticos e temáticos que, reflectindo a mudança estatuto do corpo no mundo actual, exploram a conectividade da arte aos tempos que correm. Este corpo "pós-humano" conhece, contudo, uma genealogia antiga, com a pré-história em Loie Fuller (1862-1928), num arco que atravessa o século XX e desemboca nas experimentações de Cunnigham, Y. Rainer, nos sixties judsonianos, na body art, nos corpos cyborg, etc. Is you me... actualiza aspectos debatidos desde os anos 50-70, baseando-os, agora, na interactividade digital: a acessibilidade do gesto, a efemeridade da performance, o acaso, o valor do processo face ao produto, são aproximações metafóricas da própria vida. Um controlo técnico irrepreensível não impede, todavia, a peça de resultar mais visual que conceptual; outros questionamentos dissipam-se num jogo das interacções digitais, ficando a ideia de que tanto haveria por onde subtrair como por onde adicionar.

Morreu Francisco Ribeiro, fundador dos Madredeus - Cultura - PUBLICO.PT

2010-09-15T17:54:00.000+01:00

Morreu Francisco Ribeiro, fundador dos Madredeus - Cultura - PUBLICO.PT

Vectorworks 2011 Delivers

2010-09-14T21:17:00.000+01:00

Ornatos Violeta - Marta

2010-09-13T13:21:00.000+01:00

100 GREATEST HITS OF YOUTUBE IN 4 MINUTES

2010-09-07T15:51:00.000+01:00

Encontros Internacionais de Música 2010 | CCVF - Centro Cultural de Vila Flor

2010-09-05T03:11:00.001+01:00

Continuam abertas as inscrições para os Encontros Internacionais de Música de Guimarães que este ano se realizam de 30 de Agosto a 11 de Setembro, no Centro Cultural Vila Flor. A edição de 2010 contará novamente com a participação de professores de renome internacional e de mérito inquestionável.

Em Setembro, o Centro Cultural Vila Flor volta a ser um espaço privilegiado para a celebração da música erudita. Através da junção da componente formativa e da apresentação de recitais, os Encontros Internacionais de Música de Guimarães potenciam encontros, proporcionam interacções, dão espaço à criatividade e ao aperfeiçoamento, dão “palco” a jovens e promissores músicos que, em conjunto com artistas e pedagogos de craveira internacional, têm a oportunidade de mostrar o seu talento. A direcção artística do evento está a cargo do Prof. António Saiote.

Estimados jovens músicos, bem-vindos mais uma vez a Guimarães. Este ano, temos o grato prazer de saudar a integração da insigne Academia Valentim Moreira de Sá na organização dos Encontros Internacionais de Música de Guimarães. Que aproveitem o excelente espaço do Centro Cultural Vila Flor e a disponibilidade da sua excelente equipa, são os nossos votos. Como é tradição, além dos magníficos professores convidados e dos pianistas que apoiarão as suas classes, teremos a presença do vice-director do Sistema Venezuelano de Orquestras Juvenis o que representa uma perspectiva de cooperação frutuosa no futuro. Resta-me saudar a Oficina e o Convívio pela colaboração que nos tem prestado e pelo empenho e dedicação demonstrados. António Saiote

MASTERCLASSES - 02 a 04 de Setembro

Professores Nível Superior

Pascal Gallois - Fagote

MASTERCLASSES - 06 a 10 de Setembro

Professores Nível Superior

Michael Cox - Flauta

António Saiote - Música de Câmara e Interpretação Musical

MASTERCLASSES - 07 a 10 de Setembro

Professores de Nível Superior

Omar Zoboli - Oboé

Professores Acompanhadores

Alexei Eremine, Anna Tomasik-Michalczik, Elsa Silva e Michiko Tsuda

As inscrições poderão ser efectuadas no Centro Cultural Vila Flor ou neste site através do preenchimento do formulário disponível online. As condições gerais de participação nos Encontros Internacionais de Música de Guimarães encontram-se disponíveis no final desta página, no ficheiro em PDF.

Encontros Internacionais de Música 2010 | CCVF - Centro Cultural de Vila Flor

Às voltas no mundo de Sofia

2010-09-04T20:37:00.003+01:00

"É um filme sobre o vazio. Sobre gente no limbo à procura do seu lugar na vida.Somewhere anda às voltas sem sair do mesmo sítio - tal como Sofia Coppola. E isso, neste caso, é bom

Sofia Coppola está habituada ao escrutínio dos holofotes - como se não bastasse ser filha de quem é, quem assina Lost in Translation - o Amor é um Lugar Estranho, um dos primeiros filmes seminais do século XXI, ergue inescapavelmente as expectativas a uma fasquia difícil de manter.

Daí que, quatro anos depois de uma Marie Antoinette que dividiu as águas e levou alguns a chamarem-lhe mulher de um só filme, o primeiro frisson inevitável da competição do Festival de Cinema de Veneza seja Somewhere.

O filme foi acolhido calorosamente - a idiossincrasia de Marie Antoinette foi perdoada, mesmo que não reencontremos aqui a inspiração do sublime Lost in Translation, mesmo que este filme que se diz ser o "mais pessoal" da filha Coppola seja no fundo mais uma variação sobre o seu tema habitual: gente no limbo à procura do seu lugar na vida.

Mas chegará isso para recuperar o estatuto?

Não sabemos. Apesar dos aplausos que receberam o filme na projecção de imprensa, estamos mesmo a ver muita gente a resmungar que Somewhere é mais um filme de menina rica sobre meninos ricos que não sabem o que fazer na vida.

É verdade. Lembrámo-nos, a certa altura, do episódio que Sofia escreveu para aHistória de Nova Iorque do pai Francis, há vinte anos, sobre uma menina rica que vive num hotel - e Johnny Marco, o actor desenraizado interpretado por Stephen Dorff que é o centro de Somewhere, vive no lendário Chateau Marmont de Los Angeles.

Lembrámo-nos, também, de Marie Antoinette, menina rica perdida num mundo que não dominava - e Johnny também está perdido, na cerveja, nas noitadas, no tabaco, no sexo fácil a toda a hora, nas lap dances ao domicílio, no superluxo dos hotéis e do tratamento VIP. Que não são "substitutos" de nada mas apenas maneiras de preencher o vazio.

Mas o que Sofia faz tão bem é precisamente fazer-nos sentir o vazio - viver o vazio. Dentro desta fachada de luxo não há nada e é preciso que haja alguma coisa, quanto mais não seja por Cleo, a filha adolescente que visita Johnny de vez em quando e acaba por lhe mostrar, imperceptivelmente, o que lhe falta.

E é preciso estar com atenção para ver o que falta. Somewhere é um filme de pormenores subterrâneos, planos longos e cores queimadas (rodadas e projectadas em película - o director de fotografia é Harris Savides, que assina aqui um segundo belo trabalho de Los Angeles em filme depois do Greenberg de Noah Baumbach). É o filme mais despojado, mais austero, mais "vazio" de Sofia - e esse despojamento é o exacto oposto da máquina da fama que Somewhere retrata com um misto impiedoso de melancolia e humor que fere onde dói mas que não julga. Contudo, o próprio filme presta-se a essa máquina, ao estar a concurso num festival tão mediaticamente VIP como Veneza.

A ironia não se perde: ao nosso lado na projecção está uma jornalista italiana louríssima, impecavelmente produzida, que logo antes do filme começar pega no espelho para ver como está o cabelo, bufa aborrecida um par de vezes ao longo do filme e, assim que as luzes sobem, saca da bolsa para retocar a maquilhagem.

Há, evidentemente, algo de rebelde num filme que morde (mesmo que gentilmente) a mão que lhe dá de comer, de menina rica que se queixa sobre como é chato ser uma menina rica. Mas são essas contradições que alimentam a tensão do cinema de Sofia e, sobretudo, de Somewhere.

E, como em todos os filmes de Sofia, é nesse vazio onde nada parece acontecer que tudo acontece - por camadas, por acumulação de pequenos nadas que constroem uma história pontilhista.

É legítimo perguntar: estaríamos a prestar tanta atenção a Somewhere se fosse outra pessoa (digamos, Vincent Gallo) a realizá-lo? Gostaríamos tanto? É uma pergunta sem resposta. Mas pensá-lo implica que Sofia é uma menina rica que só filma por ser filha de quem é. E o que faz de Somewhere um bom filme é precisamente isso: ninguém filma o vazio do sucesso como alguém que o conhece de dentro para fora. Alguém como Sofia Coppola. Ninguém filma o vazio do sucesso como alguém que o conhece de dentro para fora. Alguém como Sofia Coppola (à esquerda, imagem de uma das cenas de Somewhere)"

Público - Às voltas no mundo de Sofia

QL: Guimarães 2012 - Capital Europeia da Cultura

2010-09-04T15:22:00.000+01:00

QL: Guimarães 2012 - Capital Europeia da Cultura

Bernardo Sassetti Trio - Motion 1 - Tariff 3$ Hr - Max: 2 Hrs

2010-09-02T21:56:00.000+01:00

Guimarães 2012 - Capital Europeia da Cultura

2010-09-02T21:04:00.000+01:00

Nick Cave & Kylie Minogue - Where The Wild Roses Grow

2010-08-31T03:26:00.000+01:00

10 Paintings.mov, Music What A Wonderful World by Nick Cave & Tom Waits ...

2010-08-29T02:06:00.000+01:00

"Invictus" Clint Eastwood

2010-08-04T22:31:00.001+01:00

http://www.cineclubeguimaraes.org/mensal.php

in "Butterfly Effect" Garden - Ponte de Lima 2010

2010-08-02T14:50:00.000+01:00

Amália Hoje - Soledad

2010-07-22T01:27:00.000+01:00

Susana Piteira no Museu Alberto Sampaio - Guimarães

2010-07-19T04:49:00.003+01:00

Susana Piteira no Museu Alberto Sampaio - Guimarães

2010-07-19T04:49:00.001+01:00

SPIRIT ALIVE '09 - Butterfly

2010-07-19T04:40:00.000+01:00

AN.NA

2010-07-17T13:54:00.001+01:00

www.anna.com.pt

Tem cuidado onde estacionas!!!

2010-07-11T00:44:00.001+01:00

em qualquer lugar

2009-08-23T12:41:00.002+01:00

http://emqualquerlugar.wordpress.com

https://twitter.com/emqualquerlugar

Nu feminino

2008-06-22T19:53:00.002+01:00

Nu feminino

2008-06-22T19:51:00.003+01:00

raimundo gomes 2007

Nu feminino

2008-06-22T19:07:00.004+01:00

raimundo gomes 2007

Azul

2008-06-22T18:55:00.005+01:00

Emília Maria 2005

dimensão: 196 x 130cm

Título: Azul

técnica: acrílico

colecção privada raimundo gomes

"Escrito na Pedra" do Jornal Público

2008-06-10T14:02:00.001+01:00

"Tornarmo-nos jovens leva muito tempo"

Pablo Picasso

"Tocar a Leveza"

2008-05-18T08:38:00.002+01:00

"Uma rapariga tenta tocar uma medusa-de-lua (Aurelia aurita) no Aquário internacional Sunshine, em Tóquio, no Japão... Foto: Toru Hanai / Reuters"

jornal público website 18 maio de 2008

2008-05-13T22:00:00.003+01:00

"Graham Greene enganou-se, as criaturas que ele diz que não existem, existem de facto: somos nós. Habitamos o Monte de Vendavais, a Guerra e Paz, as meninas de Velásquez, os trios de Beethoven, o Danúbio Azul, e ao habitar o imenso país que essas obras são vencemos o tempo e tornamo-nos imortais."

ANTUNES, António Lobo Antunes, revista visão, 8 de Maio de 2008

Trisha Brown na bélgica

2008-02-05T16:51:00.000Z

Trisha Brown Dance Company, 19 -21 Março, deSingel, Bélgica

Foray Forêt (1990), How Long... (2005), I Love my Robots (2007)

"Trisha Brown is a living legend. In the 1960s, together with other like-minded artists in New York, she set out the boundaries of 'modern dance'. She experimented by dancing in alternative locations such as on roofs and walls. In the meantime, she has reached the age of seventy yet she still continues to surprise. You get to see three choreographed performances, the last of which is still being created at the time of writing. In 'I love my robots' you can see how the moving sculptures by the Japanese artist Kujiro Okazaki interact with the dancers. A fantastic work, fresh and funny, with a Japanese touch! In Foray Forêt, a real fanfare starts up. In the masterpiece 'how long does the subject linger on the edge of the volume', dance, music and graphic elements are integrated into a single whole via the computer. Always innovative, always dancing, full of spirit: Trisha Brown!"

in www.desingel.be

O CORPO E A CRIAÇÃO DE IMAGENS

2008-02-05T16:48:00.000Z

Workshops

Forum Dança

Ciclo Novas Tendências nas Artes
Performativas

Ana Mira
Preço: 25€
Inscrições: 21 342 89 85 ou forumdanca@forumdanca.pt
Datas
09 e 10 Fevereiro 2008
Sábado 14h00 - 18h00
Domingo 10h00 - 13h00 e 14h00 - 17h00

Descrição

O CORPO E A CRIAÇÃO DE IMAGENS — composição coreográfica
The sensation is the image. It's what dancing is to me. (Lisa
Nelson)
Nestas sessões pretende-se chegar à composição coreográfica
através da partilha de alguns conceitos filosóficos e de uma
exploração a nível da percepção do movimento. Entre outros
conceitos encontram-se imagem-corpo (Paul Schilder),
pré-movimento (Hubert Godard), diagrama (Gille Deleuze),
espaço do corpo (José Gil), consciência-atenta (Steve Paxton). A
percepção do movimento é explorada através de uma série de
propostas práticas que incidem sobre a escuta e,
consequentemente, a ampliação de pequenos movimentos e
percepções. Neste processo as sensações são aquilo que sentimos
estar a acontecer em determinado momento e elas podem
tornar-se imagens quando percebemos que as estamos a
observar. Estas imagens têm uma certa duração, elas formam um
acontecimento.

Ana Mira

Ana Mira fez formação em dança no Forum Dança e no C.E.M.,
em Lisboa, e participou em workshops em Portugal e no
estrangeiro (destaca o trabalho com Lisa Nelson e Steve Paxton).
Residiu em Amesterdão onde desenvolveu Program of Study and
Research /Dance sob orientação de Pauline de Groot e Russell
Dumas (AUST), com uma bolsa de investigação do GRIC/MC
(2001/2003). É licenciada em Animação Sociocultural.
Presentemente, termina a dissertação "A, B, C, D, E, F, G" de
Russell Dumas — Séries de Movimento no âmbito do Mestrado
em Estética, Filosofia da U.N.L. Trabalha pontualmente com o
coreógrafo Russell Dumas em França. Na criação coreográfica
destaca as peças mais recentes Dueto (2006) e Três estudos para
Shihtao (2007), estreadas em Lisboa. Paralelamente, dedica-se
ao ensino de dança contemporânea em instituições como Forum
Dança, C.E.M., ESTAL, entre outras.

2008-02-05T16:40:00.000Z

"Mesmo movendo-me, fico."

ANTUNES, António Lobo, revista Visão, 31 de janeiro de 2008

o peso de uma voz

2007-07-11T22:12:00.000+01:00

De olhos fechados, fala-nos de profundidade e olha para o mundo com as mãos a agarrar o chão.

A terra quente mistura-se com a força das pedras e o peso de uma voz leva-nos ao lugar leve dos pássaros.

Raimundo gomes I largo de S. Gonçalo Amarante ao ouvir ANA MOURA 08 I 07 I 2007

s. joão I porto I 2007

2007-06-24T20:17:00.000+01:00

Bill T. Jones em Serralves

2007-03-25T19:44:00.000+01:00

Bill T. Jones e a sua companhia de dança, vão estar no auditório de Serralves dia 2 de Maio, com a peça"Blauvelt Moutain (A Fiction)".

Partir é morrer um pouco

2007-03-25T19:34:00.000+01:00

A morte é uma viagem e uma viagem e a viagem é uma morte. Partir é morrer um pouco. Morrer é verdadeiramente partir, e só se parte bem, corajosamente, nitidamente, quando se segue o fluir da água, a corrente do largo rio.

Gaston Bachelard, A água e os sonhos

2007-01-02T14:23:00.000Z

Acho muito bonito construir um edifício e pensá-lo a partir do silêncio.

ZUMTHOR, Peter, Atmosferas, Editorial Gustavo Gili, SA, Barcelona, 2006, p. 31.

2007-01-02T14:14:00.000Z

O que considero o primeiro e maior segredo da arquitectura, é que consegue juntar as coisas do mundo, os materiais do mundo e criar este espaço. Porque para mim é como uma anatomia. é verdade, como o conceito do corpo quase literalmente. Tal como nós temos o nosso corpo com uma anatomia e coisas que não se vêem e uma pele... etc., assim funciona também a arquitectura e assim tento pensá-la. Corporalmente como uma massa, como membrana, como tecido ou invólucro, pano, veludo, seda, tudo o que me rodeia. O Corpo! Não a ideia do corpo - o corpo! Que me pode tocar.

ZUMTHOR, Peter, Atmosferas, Editorial Gustavo Gili, SA, Barcelona, 2006, p. 23.

2007-01-02T14:09:00.000Z

A qualidade arquitectónica - para mim - não significa aparecer nos guias arquitectónicos ou na história da arquitectura ou ser publicado etc... Qualidade arquitectónica só pode significar que sou tocado por uma obra.

ZUMTHOR, Peter, Atmosferas, Editorial Gustavo Gili, SA, Barcelona, 2006, p. 11.

Sapataria Vip I lousada I 2006

2006-12-16T16:00:00.001Z

ARQUITECTURA I raimundogomesarquitecto

2006-12-16T15:58:00.000Z

A realidade da arquitectura é o concreto, o que se tornou forma, massa e espaço, o seu corpo. Não existe nenhuma ideia, excepto nas coisas.

ZUMTHOR, Peter, Pensar a Arquitectura, Editorial Gustavo Gili, SA, Barcelona, 2005, p. 32.

2006-12-16T15:52:00.000Z

Pessoalmente gosto da ideia de projectar e construir casas, das quais me retiro como projectista no fim do processo de construção e onde deixo uma obra que é ela própria , que serve para a habitação como parte do mundo das coisas, que se sai bem sem a minha retórica pessoal

ZUMTHOR, Peter, Pensar a Arquitectura, Editorial Gustavo Gili, SA, Barcelona, 2005, p. 30.

2006-12-16T15:48:00.000Z

O que o eu tem de único encontra-se precisamente naquilo que o ser humano tem de inimaginável.

KUNDERA, Milan, A insustentável leveza do ser, Publicações Dom Quixote, 27º edição, Lisboa, 2005, p.228.

2006-09-06T02:27:00.000+01:00

"Deixem-nos ser conscientemente arquitectos imaginativos!"

Bruno Taut

Filarmónica de Berlim (1956-1963)

2006-09-06T02:23:00.000+01:00

Arquitecto: Hans Scharum

2006-09-06T02:08:00.000+01:00

"O género humano está ligado e em dívida par com o tempo e espaço em continua mudança, uma vez que os criamos e somos simultaneamente determinados por ambos; assim, o espaço em que vivemos é - no significado e na issência - não da natureza estática, mas sim dinámica"

Hans Scharoun

2006-08-14T15:03:00.000+01:00

“(…) a beleza é um mundo traído. Só podemos encontrá-la quando aqueles que a perseguem a deixam por engano num sítio qualquer.”

KUNDERA, Milan, A insustentável leveza do ser, Publicações Dom Quixote, 27º edição, Lisboa, 2005, p.130.

2006-08-14T15:02:00.000+01:00

“(…)”Vou contar-te a história de um poeta do começo do século. Estava muito velho e era o secretário que o levava a passear. Um dia este disse-lhe: Levante a cabeça, Mestre, e veja! Olhe o primeiro aeroplano a passar por cima da cidade! – Posso muito bem imaginá-lo, replicou o Mestre.”

KUNDERA, Milan, A insustentável leveza do ser, Publicações Dom Quixote, 27º edição, Lisboa, 2005, p.102.

GEGO I desafiando estruturas

2006-07-28T19:30:00.000+01:00

Museu de Serralves I 28 jul a 15 out 2006

"Só com metal posso transportar aquilo que é transparente, e isso inclui o espaço em volta da escultura, a fim de o o incorporar na propria obra."
Gego

As esculturas e desenhos de Gego são mãos de arame, que com a sua delicadeza e flexibilidade abraçam o espaço vazio, e dão legibilidade ao palco onde acontece a mais infinita das danças.

raimundo gomes I 07 I 2006

A Concha

2006-07-26T17:40:00.000+01:00

A minha casa é concha. Como os bichos
Segreguei-a de mim com paciência:
Fachada de marés, a sonho e lixos,
O horto e os muros só areia e ausência.

Minha casa sou eu e os meus caprichos.
O orgulho carregado de inocência
Se às vezes dá uma varanda, vence-a
O sal que os santos esboroou nos nichos

E telhados de vidro e escadarias
Frágeis, cobertas de hera, oh bronze falso!
Lareira aberta ao vento, as salas frias.

A minha casa… Mas é outra a história:
Sou eu ao vento e à chuva, aqui descalço,
Sentando numa pedra de memória.

Vitorino Nemésio in “Bicho Harmonioso”

Um abraço de agradecimento ao meu amigo António Brás, que teve a gentileza de enviar-me este poema.

Sem Título

2006-07-23T17:00:00.000+01:00

Emília Carvalho I 2006
Acrílico sobre tela I 60 x 50

colecção privada I raimundo gomes

Só se existe uma vez.

2006-07-18T16:35:00.000+01:00

Entro no palco. Sou um actor cuja peça que queria ter ensaiado, não ensaiei.

Estou no palco e apenas sinto o que não sei. O peso deste fardo devia-me paralisar, mas deixa-me leve.

Os olhares dos espectadores possuem uma força e pela primeira vez percebo-a. São agora os braços que dão forma e movimento aos meus braços.

A satisfação das palmas esmaga a sala. Após ter perdido o meu ego e o meu corpo se ter esvaziado, sinto o cheio da ausência. Larguei as minhas próprias mãos e senti-me abraçado.

Perdi a memoria até do presente. Compreendo que só se pode ser actor uma vez, que só se existe uma vez.

raimundo gomes I 2006

2006-07-18T16:33:00.000+01:00

Não poder viver se não uma vida é pura e simplesmente como não viver.

KUNDERA, Milan, A insustentável leveza do ser, Publicações Dom Quixote, 27º edição, Lisboa, 2005, p.17

Poética (I)

2006-07-15T20:10:00.000+01:00

De manhã escureço
De dia Tardo
De tarde anoiteço
De noite ardo.

A oeste a morte
Contra quem vivo
Do sul cativo
O este é meu norte.

Outros que contem
Passo por passo
Eu morro ontem.

Nasço amanhã
Ando onde há espaço
- Meu tempo é quando.

DE MORAES, Vinicius, O Operário em Construção, Publicações Dom Quixote, Selecção e Prefácio de Alexandre O´Neill, Lisboa, 2001, p.126.

Mais um elogio à curva

2006-07-04T19:33:00.000+01:00

Whitney Water Purification Facility and Park
Arquitecto: Steven Holl
USA

mais imagens e desenhos

A Experiência do Lugar II

2006-07-02T18:48:00.000+01:00

Helena Almeida, A Experiência do Lugar II, 2004, videostill.

ROSTO (às vezes o meu)

2006-07-02T18:42:00.000+01:00

raimundo gomes I 2003

ARTE POÉTICA

2006-07-02T18:06:00.000+01:00

Olhar o rio que é de tempo e água
E recordar que o tempo é outro rio,
Saber que nos perdemos como o rio
E que os rostos passam como a água.

Sentir que a vigília é outro sono
Que sonha não sonhar e que a morte
Que teme a nossa carne é essa morte
De cada noite, que se chama sono.

Ver no dia ou até no ano um símbolo
Quer dos dias do homem quer dos anos,
Converter a perseguição dos anos
Numa música, um rumor e um símbolo,

Ver só na morte o sono, no ocaso
Um triste ouro, assim é a poesia
Que é imortal e pobre. A poesia
Volta como a aurora e o ocaso

Às vezes certas tardes uma cara
Olha-nos do mais fundo dum espelho;
A arte deve ser como esse espelho
Que nos revela a nossa própria cara.

Contam que Ulisses, farto de prodígios
Chorou de amor ao divisar a Ítaca
Verde e humilde. A arte é essa Ítaca
De verde eternidade e não prodígios.

Também é como o rio interminável
Que passa e fica e é cristal dum mesmo
Heraclito inconstante, que é o mesmo
E é outro, como o rio interminável.

BORGES, Jorge Luís, Poemas Escolhidos, Publicações Dom Quixote, Edição bilingue, selecção feita pelo autor, tradução de Ruy Belo, Lisboa, 2003, pp 63 e 65.

Nova Sede da Fundação Iberê Camargo

2006-06-28T02:38:00.000+01:00

Brasil
Siza vieira

Depois de ver este projecto na Bienal de Veneza de 2002, com o prémio "Leão de Ouro", aguardava ansiosamente as primeiras imagens desta obra.

Aqui fica o link onde poderão ver estas e mais imagens, respectivas às várias fases da sua construção.